Первые

МУЗЫКА

Музыка в России была всегда. Это искусство сопровождало каждую сферу жизни: религиозную, светскую, праздничную и бытовую, романтичную и торжественную. Российские гимны пробуждали в людях самые возвышенные чувства, а песни времён Великой Отечественной войны помогали выстоять в трудную минуту и победить врага. Творчество гениальных композиторов вывело русскую музыку на мировой уровень, благодаря чему наши артисты уже не одно столетие гастролируют по странам, занимая особое место в культуре и восхищая даже самых требовательных ценителей.

Бойцы авиационной части, в свободное от боев время, слушают игру товарища на баяне

Народное творчество

Ещё в ранние времена народные пения украшали жизнь русских людей, сопровождая каждый обряд или праздник. Богатство и разнообразие музыкальных форм фольклора считаются важной частью культурного наследия страны. Эти жанры зародились и развивались в течение многих веков, проникая в различные аспекты жизни русской общины.

Тогда существовали как вокальные, так и инструментальные формы. К древним русским музыкальным инструментам можно отнести гармонику, гусли, баян, балалайку, домру и многие другие.

Девушки играют на гармониках в часы досуга

Красноармейцы идут по лесной дороге, играя на балалайках, гитаре, гармони

Один из самых основных и распространенных жанров в те времена — это, конечно же, песни. Среди них существует несколько категорий в зависимости от функции, которую они выполняли. Первая — это бытовые песни, посвященные повседневной жизни русского народа. Они рассказывают о труде, любви, семейных отношениях и других аспектах быта. Любой житель нашей страны не раз слышал песни «Калинка-малинка», «Во поле берёзка стояла» или «Ой, мороз, мороз».

Яркие народные пляски и игры олицетворяли жизнерадостную энергию русской души. Они были неотъемлемой частью и семейных празднеств: свадеб, дней рождения и других важных событий. Среди них известные нам кадриль, хоровод, ручеек, приседки или танцы с ложками. В то же время была музыка, с помощью которых люди выражали горе и печаль. «Вечерняя колыбельная» и «Плач Ярославны» часто исполнялись на похоронах, давая людям утешение.

Кроме того, музыка всегда сопровождала древние календарные праздники или обряды — как пахоту, Ярилин день или Масленицу. На день Ивана-Купала обязательно исполняли «Купалу», а в честь прихода весны — «Веснянку». Такая музыка олицетворяла связь человека с природой, богами и духами, а также служила частью обрядов и празднеств, связанных с поклонением предкам.

Женский хоровод на гулянье в Нелиярве Тапаского района, по случаю народного праздника "Иванова дня"

Немаловажно для народа на Руси было запечатлеть в истории героические подвиги и победы над врагами. И до наших дней дошли эпические произведения, передававшиеся из поколения в поколение в устной форме, — сказания и былины. События, описанные в них, стали частью русской истории и мифологии. Отличительной особенностью былин и сказаний является использование специфической метрики и ритмики, что придавало им особую мелодичность и запоминающуюся структуру. Среди них «Вольга», «Садко» и, конечно же, былины о русских богатырях Илье Муромце, Добрыне Никитиче и Алёше Поповиче. Они служили не только для развлечения, но и для передачи мудрости, нравственных уроков и культурных ценностей.

Церковные песнопения

С приходом христианства главное место в русской музыке прочно заняли церковные песнопения. Они исполнялись в храмах во время богослужений, но при этом имели не только религиозное, но и культурное значение, формируя музыкальное наследие народа.

Одной из самых древних форм был «знаменный распев», музыка в котором передавалась с помощью специальных музыкальных знаков на нотном стане, известных как знамена.

Среди других церковных песнопений древней Руси можно выделить несколько основных видов, таких как «херувимская песнь», «тропари», «каноны» и «стихиры». Так, херувимская песнь сопровождала праздничное шествие во время Божественной литургии, создавая возвышенную атмосферу. Тропари и каноны представляли собой гимны, посвящённые определенным праздникам или святым, а стихиры исполнялись во время различных богослужений.

Важной частью церковной музыки был также распев — импровизационное исполнение церковных мелодий, позволявшее певцам выражать свои чувства и духовное состояние. Эти песнопения создавали атмосферу почитания и благоговения в храме, соединяя верующих в молитве и поклонении.

Первые композиторы

В 17 веке появились и первые композиторы, которые создавали, в основном, церковную музыку. Тогда на смену одноголосному пению пришло наполненное эмоциями, яркое и гармоничное хоровое пение. Разделение голосов на партии и дало название новому стилю — партесное пение.

Основоположником нового жанра стал Николай Дилецкий. В первую очередь, в своих сочинениях он опирался на национальные традиции. Однако, обучившись в Европе, Дилецкий смог обогатить и дополнить русскую музыку, опираясь на опыт западных композиторов. Он создал произведения в партесном стиле на церковнославянские тексты: «Воскресенский» канон, концерты «Вошел еси во церковь», «Иже образу Твоему» и многие другие. В то же время он стал главным музыкальным теоретиком в России. Фундаментальный труд Дилецкого «Мусикийская грамматика» на долгое время стал незаменимым руководством для композиторов.

Одним из известнейших последователей Дилецкого стал государев певчий дьяк Василий Титов. Мастерство композитора завоевало широкое признание в период барокко. Его произведения, созданные лишь для вокального исполнения хором, поражали слушателей богатой музыкальной палитрой и выразительным звучанием. Он написал более 200 сочинений, среди которых музыка к «Стихотворной Псалтыри» Симеона Полоцкого, а также циклы «Догматики» и «Богородчины воскресни».

Со временем композиторы стали пробовать себя и в написании музыки светской тематики. В этот период появились канты – музыкальные произведения, написанные для торжественных событий, а также любовные песни. А во времена Петра I особенно заметными стали работы, посвященные императору, его достижениям, а также победам русской армии.

Серьёзные изменения стала претерпевать русская музыка в 18 веке. Тогда с Запада в страну пришла новая система записи нот, которая используется и сегодня. А Пётр I стал приглашать французских и итальянских музыкантов. Русские композиторы стали увлекаться стилем европейских мастеров, а итальянская музыка возглавила новую моду. Тогда начали появляться первые русские оперы. Это было время творческого расцвета, когда светская музыка стала жить вместе с духовной.

Отец русской классической музыки

Так по праву называют Михаила Ивановича Глинку (1804–1857), известного благодаря его выдающимся операм «Жизнь за царя» и «Руслан и Людмила». Родившийся в семье дворян, Глинка получил музыкальное образование в Италии и Германии. Его творчество стало знаковым в формировании русской музыкальной идентичности, совмещая в себе элементы национальной традиции и классического искусства.

Артисты музыкального театра имени К.С.Станиславского и В.И.Немировича-Данченко в сцене из оперы М.И.Глинки "Руслан и Людмила": О.Александрова (Ратмир), В.Н. Свистов (Светозар), Р.Улыбин (Фарлаф), слева направо

В своих сочинениях Глинка сочетал виртуозное мастерство композитора с глубоким пониманием народного характера. Он разделил оперный жанр на два вида: опера-драма и опера-сказка. К первому можно отнести как раз произведение «Жизнь за царя», которую он посвятил темам народности и любви к родине. В ней же он воспел красоту российской природы и жизни простых людей. Оперой-сказкой по праву считается «Руслан и Людмила», написанная по мотивам произведения Александра Сергеевича Пушкина. Он стал пионером в использовании русских национальных мотивов в симфонической музыке, что повлияло на целое поколение композиторов.

Солисты балета Мариинского театра Муромская и И.Н.Кусов во время исполнения мазурки из оперы М.И.Глинки "Жизнь за царя"

Критический реализм

Историки отмечают, что в середине 19 века в русском искусстве стало преобладать новое направление — критический реализм. Творцы обратили внимание на действительность, её правдивое изображение. Так они стремились обличить лицемерие и пороки общества. Реализм повлиял не только на писателей и художников, но и на музыкантов.

Одним из первых представителей этого направления стал Александр Сергеевич Даргомыжский (1813–1869). Но в то же время он был последователем идей Глинки и стремился найти гармоничное сочетание русской национальной идеи и западноевропейской классики.

В его произведениях акценты смещаются с возвышенных, эпических идей на личности персонажей, их внутренние миры и развитие. Первой оперой, имеющий ярко выраженный психологизм стала «Русалка». Стремлением к правдивому изображению жизни отличается и сочинение «Каменный гость». С помощью выразительных средств Даргомыжскому удалось нарисовать социальный портрет героев.

Оперная певица, солистка Большого театра Н.С.Ермоленко-Южина в роли Наташи в опере А.С.Даргомыжского "Русалка".

Композитор также работал и в вокальных жанрах: романсе и песне. Он считал, что в этих формах есть много возможностей для того, чтобы «оживить» персонажей. За вдохновением он обращался к жизни простых людей, чиновников и мещан — теме «маленького человека». Он часто писал музыку на стихи русских поэтов: Пушкина, Дельвига, Лермонтова и других. Так, Даргомыжский стал первым, кто стал писать романсы на социальную тематику, обличая жизненную несправедливость.

«Могучая кучка»

В середине 19 века под влиянием демократических идей несколько композиторов объединились в творческую группу и назвали себя «Могучая кучка». Её главными членами стали Милий Балакирев (1837—1910), Модест Мусоргский (1839—1881), Александр Бородин (1833—1887), Николай Римский-Корсаков (1844—1908) и Цезарь Кюи (1835—1918).

Общий вид памятника русскому композитору Н.А. Римскому-Корсакову (1952, архитектор М.А. Шепилевский, скульпторы В.Я. Боголюбов, В.И. Ингал) на Театральной площади у здания Ленинградской консерватории

Они были страстными последователями идей Глинки и Даргомыжского. Следуя пути гениев, композиторы стремились выразить в музыке русскую национальную идею. Придерживаясь принципов народности и патриотизма, члены «Могучей кучки» обращались к русскому самобытному творчеству, истории России, образам общинной жизни, эпосу, сказкам и обрядам. Именно в русской народной песне они нашли истоки русской музыкальной идентичности и эстетический идеал.

Инициатором объединения талантливых композиторов был Балакирев. Гениальный пианист, композитор и дирижер долгое время изучал фольклор — как русский, так и восточный. Эта страсть стала неотъемлемой частью его творчества, и он интегрировал народные элементы в свои произведения, придавая им уникальный колорит. Его сочинение «Исламей» — виртуозное фортепианное произведение с восточными влияниями, ставшее образцом технического мастерства. В симфонических произведениях, таких как «Тамерлан» и «Россия», Балакирев экспериментировал с гармоникой и формой, придавая своей музыке нестандартные звучания и структуры.

Наиболее радикальным участником «Могучей кучки» считался Мусоргский. Как революционер русской музыки он создавал социально-критические, сатирические произведения. Обращаясь к образам повседневной жизни, он изображал народные типажи героев: крестьян, юродивых, бедняков, женщин. Свою «музыкальную правду» он выразил в работах «Калистрат», «Семинарист», «Детская», «Ах ты, пьяная тетеря!» и других.

Но венцом его творчества стали оперы «Борис Годунов» и «Хованщина». В этих произведениях Мусоргский отверг стереотипы, фокусируясь на внутреннем мире персонажей. При этом он заимствовал у Глинки масштабность и эпичность сюжетов. Так Мусоргский смог воплотить одновременно и яркие реалистичные образы отдельных персонажей, и ввести ещё одного главного героя — народ.

Народный артист СССР А.Огнивцев (Борис Годунов) в сцене из оперы М.Мусоргского "Борис Годунов" в постановке Большого театра СССР

Композитор сумел сделать вклад и в развитие импрессионизма благодаря своему циклу фортепианных пьес «Картинки с выставки». В нём он смог виртуозно объединить музыку и живопись, передавая настроение картин через мелодию.

Бородин был уникальной личностью, так как сочетал в себе две страсти: химию и музыку. В области химии он стал известным ученым, работавшим над новыми методами синтеза органических соединений.

Его музыкальные произведения отличаются богатырским размахом и ярким народным колоритом. Например, их можно услышать в самом его знаменательном произведении — опере «Князь Игорь», над которой он работал 18 лет. Но несмотря на эпичность, Бородину удается избежать декоративности и напыщенности в своих работах, благодаря чему он смог проникновенно изобразить русскую душу.

Римский-Корсаков был не только гениальным дирижером и мастером оркестровки, но и педагогом, наставником многих композиторов. Также как и коллеги, он обращался к фольклору в своих операх «Шахерезада» и «Снегурочка». При этом особый подход к инструментальным партиям выделял его среди «кучкистов». Благодаря богатству оркестровки в своих произведениях, он стал ярким представителем русского импрессионизма, воплощая в своей музыке живописные образы.

Кюи, как и Бородин, был не только композитором. За свою жизнь он успел стать учёным, инженером-генералом, педагогом и общественным активистом. А также он активно занимался пропагандой идей «Могучей кучки» в печати как в России, так и за границей. Не оставляя военную службу, он создал оперы «Кавказский пленник», «Пир во время чумы», «Вильям Ратклиф» и другие. Он также написал музыку для детских произведений «Красная шапочка», «Кот в сапогах», «Снежный богатырь». Известна и его музыкально-критическая деятельность: его рецензии на оперные спектакли и концерты зачастую можно было прочитать в прессе.

Солистка балета Мариинского театра Муромская в балете "Конек-горбунок" (муз. Ц.Кюи)

Участники «Могучей кучки» неспроста также называли себя «Новой русской музыкальной школой». На своих встречах они не только анализировали чужие произведения и обменивались творческими идеями, но и занимались просветительской деятельностью. Композиторы стремились противопоставить себя академическим направлениям музыки, которыми занимались Русское музыкальное общество и Петербургская консерватория. «Кучкисты» критиковали их за конформизм и отрыв от реальной жизни. Композиторы даже сумели открыть Бесплатную музыкальную школу, чтобы сделать творческое образование максимально доступным.

Русский романтизм

Среди музыкантов, которым противопоставляла себя «Могучая кучка» был и Пётр Ильич Чайковский (1840–1893). Однако сам он не придерживался конкретных течений, предпочитая всего себя отдавать музыке. Творчество Чайковского оказало глубокое влияние на мировую культуру. Он был одним из первых выпускников Санкт-Петербургской консерватории, за учёбу в которой получил серебряную медаль. Начиная свою карьеру в условиях времени, когда музыкальное образование в России было относительно молодым явлением, Чайковский сумел завоевать широкое признание своим уникальным гением.

Открытие памятника П.И.Чайковскому у здания Московской государственной консерватории имени П.И.Чайковского

Чайковский стал самым ярким представителем эпохи романтизма. За свою плодотворную творческую жизнь он создал множество симфоний, балетов и опер. Его «Лебединое озеро», «Щелкунчик», «Спящая красавица» и другие балеты стали настоящей классикой жанра. Он не только отразил русскую национальную идентичность в своих произведениях, но и умело сочетал ее с европейскими музыкальными традициями, при этом не считая себя реформатором.

Оперы Чайковского, такие как «Евгений Онегин» и «Пиковая дама», считаются вершинами русской оперной драматургии. Взяв за основу произведения Пушкина, композитор глубоко прочувствовал характеры персонажей, добавив в свои работы элементы психологизма. Выражая через мелодию сложные внутренние конфликты, он сумел создать для каждого персонажа свою музыкальную идентичность.

Чайковский также стал известен своими симфониями, среди которых Симфония №6 «Патетическая» считается одним из величайших произведений всех времен. Его творчество охватывает широкий спектр жанров, включая камерную музыку, песни и сюиты.

Одним из последних представителей романтизма также был Сергей Рахманинов (1873-1943). Пианист-виртуоз, он задал самую высокую планку для всех исполнителей. Его техника игры считается одной из самых сложных и требовательных. Её можно услышать даже в его симфонической поэме «Остров мёртвых».

Композитор также прославился своим мастерством в области оркестровки. Его симфонии, концерты для фортепиано с оркестром, а также другие оркестровые произведения, например, «Утес» и «Каприччио на цыганские темы» отличаются богатством звучания, красочностью и эмоциональной глубиной. Отличительной чертой творчества Рахманинова считаются религиозные темы и трагические настроения. Наиболее значительными среди его произведений считаются «Колокола» и «Всенощное бдение».

Революции XX века

В переходный период конца 19-го века и начала 20-го наиболее выдающимся стал композитор Александр Скрябин (1872-1915). Он начинал свою музыкальную карьеру в романтическом направлении, вдохновленный творчеством Шопена и Рахманинова. Однако затем в его творчестве случился важный поворот. Скрябин разработал собственную гармоническую систему и ввёл понятие «мистического аккорда». Этот аккорд представлял собой четыре ноты, которые придавали музыке особую атмосферу тайны.

Есть также предположение, что у Скрябина была синестезия. Это редкое явление, когда музыкальные звуки вызывают у человека цветовые образы. Выдающимися в творчестве Скрябина считаются философские симфонические поэмы. К их числу относится «Поэма Экстаза», «Прометей». Интересно, что в партитуре «Прометея» он использовал цветные клавиши фортепиано, став основоположником «цветомузыки». Но главной целью Скрябина было создание единого грандиозного действа под названием «Мистерия», в котором сливались бы звуки, цвета, запахи, движения. Благодаря своим грандиозным идеям он считается одним из самых авангардных музыкантов.

Одним из самых влиятельных композиторов 20 века, чей гений простирается от русских балетов до неоклассики стал Игорь Стравинский (1882-1971). Стравинский прославился своим сотрудничеством с труппой Сергея Дягилева. Для них он создал балеты «Жар-птица», «Петрушка» и «Весна священная», которые заложили важную веху в истории музыкального театра. Он обращался к фольклорным темам, но при этом смело использовал ритмические и гармонические новации, нарушая традиционные структуры.

Посещение министром культуры СССР Е.А. Фурцевой концерта И.Ф. Стравинского в Большом зале Московской консерватории. Е.А. Фурцева, В.А. Стравинская, народный артист СССР, композитор Ю.А. Шапорин и дирижер И.Ф. Стравинский во время беседы в антракте

В период эмиграции после революции 1917 года Стравинский пересмотрел свои взгляды — этот этап его творчества называют неоклассическим. Он сумел стилизовать произведения под музыку барокко и классицизма, при этом сохраняя свой индивидуальный стиль. Яркими произведениями этого этапа считаются оперы «Мавр», «Царь Эдип», балет «Орфей» и мелодрама «Персефона». Позднее Стравинский пришёл к идее серийной техники. В 50-е годы он стал создавать произведения, состоящие из нескольких частей. К таким относятся «Агон», «Плач пророка Иеремии» и «Проповедь, притча и молитва». В советские времена музыкальный гений воплотился в лице Дмитрия Шостаковича (1906-1975). Он создал 15 симфоний, каждая из которых является отражением определенного периода истории России. Самой значимой стала Симфония №7 («Ленинградская»), которая частично была написана в блокадном Ленинграде. Это произведение героически исполнили и в самом осажденном городе 9 августа 1942 года. Ради этого музыкантов из-за огромного состава оркестра отзывали из военных частей. Концертный зал был переполнен, многие бойцы и офицеры приехали прямо с фронта, а жители Ленинграда нашли в себе силы прийти, несмотря на слабость и истощение. В то же время на передовой все силы были брошены на защиту города, чтобы ничто не могло прервать концерт. Концерт длился 80 минут, а его трансляция звучала через динамики для всех жителей Ленинграда. Это стало событием мирового значения.

В своих творениях Шостакович всегда честно передавал личные чувства и настроения от любви к родине и оптимизма до сатиры и критики власти. В конце 40-х вместе с другими советскими композиторами он был обвинён в декадентстве и влиянии Запада, а его музыку запретили. Впоследствии его имя было восстановлено, но это оставило сильный отпечаток на личности композитора. Его проникновенные произведения отличались гуманизмом и лиричностью, сквозь которые часто проступали сатира и ирония. Он написал оперы «Нос» и «Леди Макбет Мценского уезда», кантату «Казнь Степана Разина», «24 прелюдии и фуги для фортепиано» и многие другие выдающиеся произведения.

Но кроме того, в жизни Шостаковича важное место занимало и другое искусство — кинематограф. Родившись в то время, когда кино было новейшим изобретением, он посвятил ему много времени и сил. Шостакович был и иллюстратором для немых фильмов, и одним из основоположников советского звукового кино. А его композиция из фильма «Встречный» (1932) быстро завоевала всенародную любовь.

В истории российской музыки мы видим удивительное слияние традиций, инноваций и неповторимого характера. В ней выражается постоянный поиск народной идентичности и национальной идеи. С ранних времен русские композиторы и музыканты были важной частью мирового музыкального искусства. Таким образом, история российской музыки — это история бесконечного творчества, вдохновения и самобытности.

к следующей статье